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La ciudad de Nueva York prohíbe cambios en el icónico restaurante Four Seasons

La ciudad de Nueva York prohíbe cambios en el icónico restaurante Four Seasons


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La Comisión de Conservación de Monumentos Históricos rechazó una medida para renovar el interior del famoso restaurante de Park Avenue

La Comisión de Preservación de Monumentos Históricos de la Ciudad de Nueva York es conocida por luchar con uñas y dientes para salvar edificios históricos.

Después de una larga batalla con la Comisión de Preservación de Monumentos Históricos de Nueva York, parece que Aby Rosen, el propietario del Landmarked Cuatro estaciones restaurante en Park Avenue y 52 Street en Manhattan, no podrá realizar los cambios significativos propuestos al icónico restaurante.

El año pasado, informamos que el invaluable tapiz de Picasso que una vez colgó en el pasillo del Four Seasons había sido eliminado. Esta eliminación provocó la ira de la obstinada Comisión, que anunció que perseguiría una orden de restricción temporal contra Rosen para proteger la obra de arte de valor incalculable. En mayo, Rosen propuso más "cambios menores" en el restaurante, lo que provocó protestas de las comunidades de historiadores y arquitectos.

La decisión de rechazar los cambios en la idílica Pool Room, que tiene una piscina de mármol burbujeante como pieza central icónica del restaurante, es sin duda un revés para Rosen. Había estado planeando mover la partición superior fija dentro de la habitación.

“Alguien debería haberse levantado para decir: 'Quiero felicitar al Sr. Rosen, que tiene la sabiduría financiera para salvar algo grandioso en esta ciudad'”. Rosen le dijo a The New York Times. “Voy a hacer lo que creo que debería hacerse. Estoy gastando 20 millones de dólares en restaurarlo ".


Qué esperar del nuevo restaurante Jo & eumll Robuchon & rsquos en Nueva York

Con la mayor cantidad de estrellas Michelin del mundo (la friolera de 31), el célebre chef francés Jo & # xEBl Robuchon está de regreso después de un descanso de cinco años en la ciudad de Nueva York. Para el renacimiento de su segundo U.S. L & aposATELIER de Jo & # xEBl Robuchon, el chef está cambiando de turno de Midtown al Meatpacking District.

& # x201CMidtown era una potencia con muchos restaurantes con estrellas Michelin y muchos de ellos todavía están allí & # x201D, dijo el socio comercial de Robuchon & # x2019, Alex Gaudelet de Invest Hospitality. & # x201C La primera vez que le dije al Sr. Robuchon que no íbamos a hacer un L & # x2019ATELIER en Midtown, su pregunta fue: & # x2018¿Visitarán mis clientes de Four Seasons a Meatpacking? & # x2019 & # x201D

Una m & # xE9lange de Japón & # x2019s mostradores de sushi interactivos, servicio de tapas de España & # x2019s y excelente cocina francesa, el concepto de menú de degustación relajado L & # x2019ATELIER, que significa & # x201Cworkshop & # x201D en francés, debutó por primera vez en 2003 en París & # x2019 Saint-Germain-des-Pr & # xE9s vecindario antes de extenderse a los Estados Unidos en MGM Grand en Las Vegas y Four Seasons New York.

Después de un período de seis años en la ciudad, Robuchon cerró su restaurante de dos estrellas en Nueva York en 2012, a pesar de que estaba lleno todas las noches. El equipo comenzó a buscar una nueva ubicación y rápidamente se estableció en un lugar en Brookfield Place, pero una vez que jugaron con los números, se dieron cuenta de que la ubicación no era la mejor en términos de negocios. Recorriendo el mercado una vez más, Gaudelet, que trabajó con El mejor chef estrella Tom Colicchio en Craftsteak Las Vegas, comenzó a charlar con el chef mientras cenaba en su restaurante de Miami durante Art Basel. Fue entonces cuando Colicchio reveló que estaba reduciendo su tamaño en Nueva York y su ubicación de Meatpacking pronto estaría en juego. Con sus ventanas del piso al techo, paredes de ladrillo y columnas de acero, el antiguo espacio de Colicchio & amp Sons era el lugar perfecto para el mostrador de comedor de 34 asientos exclusivo de L & # x2019ATELIER & # x2019.

El vecindario alberga un grupo de restaurantes de renombre como Morimoto y Buddakan, pero convencer a Robuchon de 72 años de que se alejara de algunas de las partes más tradicionales de la ciudad requirió un poco de trabajo. Sin embargo, una vez que el equipo lo acompañó al otro lado de la calle hasta Chelsea Market, fue vendido de inmediato. Lo describió como caminar por un museo y estaba entusiasmado con la riqueza de productos y aves de corral.

Como Robuchon ha cambiado su propia forma de comer para volverse más consciente de la salud y perder 60 libras en el proceso, también tiene las ofertas en sus restaurantes. Caso en cuestión: uno de los menús de degustación de L & # x2019ATELIER será vegetariano, con platos como berenjena confitada y tagliatelle de raíz de apio al dente. & # x201C La clientela de Nueva York es más receptiva a los productos vegetarianos que en Francia, & # x201D Robuchon dijo en un comunicado por correo electrónico. & # x201C Además, el acceso a verduras orgánicas de alta calidad es mucho más amplio aquí que en cualquier otro lugar del mundo. & # x201D

Robuchon lanzó por primera vez el menú de degustación vegetariana en París, donde representa solo el 2 por ciento de las ventas, pero anticipa un mayor éxito en Nueva York, ya que la ciudad está más avanzada en términos de requisitos dietéticos y solicitudes como sin gluten, sin lácteos y los veganos son la norma. Dado que puede encontrar productos orgánicos con mayor facilidad y disponibilidad aquí que en Francia, los ingredientes son los que realmente harán brillar este menú. Su obsesión actual: los guisantes orgánicos de California.

Incluso para alimentos básicos icónicos como el pomme pur & # xE9e, o puré de papas, el sabor del equipo de Robuchon & # x2019s probó media docena de mantequillas locales antes de aterrizar en la correcta. Lo mismo ocurre con su adorado plato de codornices. Dado que la codorniz de origen local era la mitad del tamaño en Nueva York que en otros lugares, tuvieron que cambiar la preparación de este plato, decidiendo caramelizar y rellenar la codorniz de corral con foie gras.

En el menú de degustación de nueve platos & # x201CLe Menu D & # xE9couverte de Saison & # x201D, los comensales notarán algunos otros artículos con influencia de Nueva York como el pato condimentado de Long Island, así como platos exclusivos como la hamburguesa de carne y foie gras con infusión con ingredientes locales. El Meatpacking L & # x2019ATELIER también contará con cinco tipos de pan (así como una versión sin gluten) horneados en la casa a diario por el panadero jefe Tetsuya Yamaguchi, quien ha trabajado en los restaurantes chef & # x2019s de todo el mundo durante los últimos 20 años. .

Además de los dos menús degustación, L & # x2019ATELIER ofrecerá & # xE0 tapas a la carta y maridajes Veuve Clicquot Champagne, que se realizarán en dos comedores privados de 10 plazas. El LE BAR de la sala del frente, que es paralelo al bar en H & # xF4tel Metropole Monte-Carlo en Mónaco, ofrecerá giros exclusivos en alimentos básicos de bistró francés como sándwiches de croque-monsieur. El discreto bar también servirá un extenso menú de Champagne con cócteles homónimos de Veuve Clicquot como el Robuchon Spritz.

Si bien el chef ha establecido estratégicamente restaurantes en todo el mundo en capitales culinarias prominentes y emergentes desde Macao hasta Montreal, siente como si estuviera comenzando la historia en los Estados Unidos. & # x201C Nueva York es la capital del mundo & # x201D, dijo. & # x201C Estar en Nueva York es estar entre grandes profesionales, tanto jóvenes como consolidados. Hay mucha energía y competencia que aporta mucha pasión a mi trabajo. & # X201D

L & # x2019ATELIER de Jo & # xEBl Robuchon abrirá el 1 de noviembre.

85 10th Avenue, Nueva York, 212-488-8885


Alimentando la furia

M ark Rothko fue encontrado en la mañana del 25 de febrero de 1970, yaciendo muerto en un mar oscuro como el vino de su propia sangre. Se había hecho un corte muy profundo en los brazos a la altura del codo, y la piscina que emanaba de él en el piso de su estudio medía 8 x 6 pies. Es decir, estaba en la escala de sus pinturas. Fue, tomando prestado el lenguaje crítico de arte de la época, un campo de color.

Nueva York tenía una hoja de cargos de una milla de largo en ese momento cuando se trataba de matar artistas, especialmente pintores de la generación de Rothko: los expresionistas abstractos, el movimiento épico y desconcertante, retórico y silencioso, introspectivo y deslumbrante cuya intensidad y originalidad hicieron de Manhattan la capital. del modernismo a mediados del siglo XX. El suicidio ya se había llevado a Arshile Gorky en 1948. Jackson Pollock murió en un accidente automovilístico borracho posiblemente suicida en 1956. Otro accidente automovilístico dudosamente accidental vio al escultor David Smith en 1965. Rothko parecía uno de los supervivientes, e incluso fue caricaturizado insidiosamente como un arribista, un poco fraudulento, que había convertido el rigor y el extremismo de la pintura expresionista abstracta en algo delicioso, colorido, decorativo y rentable, hasta esa mañana de 1970.

La muerte de Rothko lo cambió todo. Transformó el significado de su trabajo, le dio a cada encuentro con su pintura una gravedad terrible. Engañó al ojo superficial, poniendo la motivación de Rothko tan aparentemente en la superficie, tan visiblemente en el dominio público, que hizo difícil volver a pensar en él con alguna sutileza.

Su muerte también aseguró que un rompecabezas en el corazón de su pintura nunca se resolvería. Porque el contrato de Rothko con la sociedad no se rompió ese día de 1970, sino una década antes, en 1959. Fue entonces cuando Rothko repudió repentina e inesperadamente su acuerdo de proporcionar 600 pies cuadrados de pinturas para la habitación más exclusiva del nuevo restaurante Four Seasons. en el Seagram Building de Nueva York, el encargo público más prestigioso que jamás se haya otorgado a un pintor expresionista abstracto, una oportunidad tremendamente lucrativa y envidiable de llevar su trabajo a nuevas alturas de ambición.

Jackson Pollock había logrado la libertad y la gracia de sus pinturas derramadas y derramadas durante unos pocos años, cuando estaba recién casado y sin botella, hasta que un día comenzó a beber de nuevo y se vio inmerso en una espiral de destrucción. La crisis de Rothko por los murales de Seagram fue comparable. Fue su mejor momento y, sin embargo, también el final de su incómoda tregua con el éxito, la felicidad y América. Después, su vida y su arte se deshicieron: la vida desastrosamente, el arte con una belleza terrible, cada vez más abierto en su trato con la muerte.

El enigma de los murales Four Seasons de Rothko es especialmente urgente para nosotros, el público artístico británico, porque accidentalmente hemos terminado como herederos de Rothko. No hay muchas obras maestras auténticas de la pintura moderna en Gran Bretaña. Especialmente, no tenemos muchas grandes pinturas de los expresionistas abstractos, con una gloriosa excepción. A finales de la década de 1960, Rothko regaló a la Tate nueve de las pinturas que había destinado para el Four Seasons, como un obsequio: "un gesto principesco", como le dijo Norman Reid, entonces director de la Tate. Requirió mucha negociación, Rothko insistió en una habitación exclusiva y permanente para sus pinturas y se resistió a cualquier intento de mezclar estos murales sombríos con ejemplos más accesibles de su trabajo.

Los murales de Rothko en la Tate Modern son hermosos en su opresión, eróticos en su crueldad. Son pinturas que parecen existir en la piel dentro de un párpado. Son lo que imaginas que podrían ser las últimas luces, los últimos destellos de color que se registran en una mente que se cierra. O al fin del mundo. "Papel pintado apocalíptico" fue una frase lanzada al tipo de pintura de Rothko como un insulto. Es simplemente una descripción del apocalipsis que se puede leer en estas pinturas como un patrón en el papel tapiz: horror abstracto y placentero. Y, sin embargo, sentados en la habitación con poca luz y paredes grises donde, de manera controvertida, las multitudes de la Tate Modern se filtran entre dos puertas como si la habitación de Rothko fuera un pasillo, parece que estamos profundamente confundidos sobre el regalo de Rothko, sobre si entendemos o incluso quererlo.

Las pinturas llegaron a Londres la mañana del suicidio de Rothko. Los muertos no cuentan cuentos. No estaba claro, cuando Rothko murió en 1970, por qué había aceptado la improbable comisión de decorar un elegante restaurante en Park Avenue, en el entresuelo del nuevo rascacielos más autorizado de Manhattan. Y nunca explicó satisfactoriamente por qué decidió repentina y violentamente retirar sus cuadros y devolver el dinero en 1959.

La historia de los murales de Four Seasons ha sido escrita por la élite del poder del arte estadounidense. Eso es mala suerte para Rothko y mala suerte para el visitante de la Tate Modern que se sienta hoy en la sala de Rothko y trata de dar sentido a estas maravillosas y lúgubres pinturas.

Se ha creado un mito sobre Rothko. Ha sido pintado en colores que no son los suyos, disfrazado de artista religioso, creador de iconos espirituales del vacío sagrado. Esto complace a sus coleccionistas, habla de cierto tipo de reverencia por el arte, y hace que Rothko encaje en una tradición de pintura abstracta como viaje espiritual que comienza a fines del siglo XIX, pasa por Kandinsky y Mondrian, y supuestamente termina en Rothko. Capilla, mantenida por la Fundación Menil en Houston, Texas, que abrió después de su muerte y hacia la cual los murales de Seagram son una estación de la cruz. Pero este místico Rothko es inaccesible. Es pomposo, grandilocuente, y pide ser cortado a la medida. Para muchos visitantes de la Tate Modern, puede verlos pasar rápidamente por el mejor arte del lugar, Rothko es un caso cerrado.

Quería reabrir el caso, repasar la evidencia sobre la mayor serie de lienzos de Rothko, seguir las pistas desde Manhattan hasta Pompeya y Florencia, los lugares donde el propio Rothko dijo que encontró inspiraciones y analogías. Cuando retomas el rastro, persigue las huellas rojas sangrientas de Rothko, lo que encuentras es una tragedia no del espíritu sino del poder. Se trata de un artista que enfrenta su fuerza a la de Estados Unidos en su forma más segura y corporativa. Los murales de Seagram o Four Seasons, que se encuentran entre el mejor arte estadounidense, no son pinturas religiosas. Son meditaciones furiosas sobre el imperio americano.

No hay lugar que de manera más evocadora, incluso nostálgica, te devuelva al cenit de la autoconfianza estadounidense a mediados del siglo XX que la plaza en 375 Park Avenue, Manhattan. Mire hacia el centro y una vista amplia y profunda de riqueza y poder arquitectónico se abre hasta el edificio MetLife (anteriormente Pan Am), cuya pared se eleva sobre el ornamentado casco de Grand Central Station, bloqueando Park Avenue. Mire hacia la parte alta de la ciudad y la vista se vuelve más vacía, más rica. Aquí, en esta plaza blanca y, un domingo por la mañana, vacía, con sus pozos limpios y el tranquilo recesión de la calle, está el punto central simbólico, la x que marca el lugar, el locus classicus del imperium americano.

Mirando a través de la alta y fresca pared de vidrio del atrio, ves a los guardias de seguridad colgando de los huecos del ascensor: el espacio es perfecto, proporcionado, abierto e inmaculado. Mire hacia arriba y una franja de oscuridad flota en el cielo. Tienes que retroceder, justo al otro lado de Park Avenue, para medir la obra maestra arquitectónica de Ludwig Mies van der Rohe, el edificio Seagram. El bloque de oficinas de 525 pies, encargado en 1954 como la nueva sede corporativa de los destiladores Seagram y terminado en 1958, es muy diferente de los rascacielos de Nueva York anteriores con sus gárgolas, agujas de cromo y mástiles de amarre de dirigibles. Rechaza la fantasía gótica por una claridad clásica con el brillo helado de una ecuación. Esbelto, mezquino y devastador, se cierne, un centinela negro, sobre pilares estrechos. Sus costosos materiales (vigas de bronce fundido a mano, piedra travertino, vidrio oscurecido) dejan en claro que esta austeridad es una cuestión de elección estética más que una necesidad económica.

El Seagram marcó un momento decisivo en la arquitectura corporativa estadounidense. Sorprendió a todos los que lo vieron como el definitivo de Nueva York en su forma más alta y poderosa. Antes incluso de que estuviera terminado, apareció, sus ventanas iluminadas en la noche de Manhattan, asomándose sobre el club de jazz en la película de 1957 Sweet Smell Of Success. La Nueva York del Seagram Building es la viciosa, glamorosa y palpitante capital del jazz de la película, un melodrama alegremente mordaz en el que el despótico columnista JJ Hunsecker, interpretado con deliciosa malevolencia por Burt Lancaster, gobierna la ciudad de la noche con la connivencia de su sórdido. parásito, agente de publicidad Tony Curtis. En la película, Hunsecker toma cócteles y bistecs a los 21 años. Se habría sentido como en casa en el nuevo lugar de intercambio de poder de Nueva York, el Four Seasons.

Un pabellón que se despliega cuidadosamente en la planta baja del Seagram, el restaurante se esconde detrás de elegantes cortinas. Planeado como una parte integral de la magnificencia del Seagram por los planificadores maestros del proyecto, Phyllis Lambert, hija del director de Seagram, y el arquitecto y mecenas Philip Johnson, el Four Seasons es sobrio pero palaciego: tiene piscinas, follaje, rica piedra y metal. accesorios y una fabulosa colección de arte para asegurar a los clientes que este no es un restaurante cualquiera. Cene allí hoy y podrá deleitarse con el telón de Picasso para la producción de El sombrero de tres picos de los Ballets Rusos. También hay una sala Frank Stella. Pero no Rothkos.

"Four Seasons llamado espectacular tanto en decoración como en menú", declaró el New York Times en agosto de 1959. "Nunca ha habido un restaurante mejor adaptado al ritmo de Manhattan", comentó el crítico. "Es caro y opulento, y es quizás el restaurante más emocionante que se ha abierto en Nueva York en las últimas dos décadas". La reseña elogia el "entrenamiento minucioso en la mesa" y la comida, especialmente los platos flameados y las hierbas frescas, algo inusual en los Estados Unidos de la década de 1950; el único defecto, para el Times, es sucumbir al apetito nacional por las porciones "gruesas". Lo más elegante de todo es la colección de arte. "Las paredes están adornadas con una fortuna en cuadros y tapices de genios modernos como Picasso, Joan Miró y Jackson Pollock".

Pollock's Blue Poles colgaba temporalmente en el más pequeño de los dos comedores, hasta la entrega de los lienzos a escala mural especialmente encargados por Mark Rothko que iban a ser la coronación artística del restaurante. No menos gurú del mundo del arte que Alfred Barr, director del Museo de Arte Moderno de Nueva York, advirtió que Rothko era el hombre que proporcionaría arte para el Four Seasons.

De todos los pintores de Nueva York que se hicieron famosos a finales de la década de 1940, Rothko era el más adicto a la ciudad. Cuando tuvo el dinero, vivió en Sixth Avenue, cerca del Radio City Music Hall. Tenía estudios por toda la ciudad, cambiándolos a menudo: los murales de Four Seasons fueron pintados en un antiguo gimnasio en el Bowery que instaló con una pared falsa y un sistema de poleas para poder experimentar con su diseño arquitectónico.

Rothko era intenso, solitario, de izquierda, acostumbrado a la pobreza y al fracaso. Nacido en una familia judía en Dvinsk, Rusia, en 1903, Rothko - su nombre de pila era Marcus Rothkowitz - emigró con su familia a los Estados Unidos cuando tenía 10 años. Creció como un forastero pobre en Portland, Oregon, pero era académicamente brillante. lo suficiente para entrar en Yale en 1921, cosa que odiaba. En 1923 se dirigió a la ciudad de Nueva York, para "deambular, vagabundear, morir de hambre un poco". Su Nueva York era una ciudad de mostradores de fiambres, estaciones de metro, aulas de arte, visitas al Museo Metropolitano. Y ahora, después de pasar una vida principalmente como un gran artista desconocido y fracasado, a Mark Rothko se le ofrecieron $ 35,000 para decorar un símbolo de la riqueza de la élite de Manhattan en el apogeo de la guerra fría.

¿Por qué aceptó el encargo? Los relatos de lo que se le dijo a Rothko y lo que pensó que estaba haciendo difieren. El crítico Dore Ashton, un visitante habitual del estudio de Rothko, tuvo la impresión de que Rothko creía que sus paneles colgarían en una sala de juntas que sería visible desde el comedor de los empleados, que serían accesibles para los trabajadores de oficina normales. Si Rothko creía esto, era una fantasía. Phyllis Lambert y Philip Johnson niegan que pudiera haber estado bajo tal ilusión; dicen que era perfectamente consciente de que estaba haciendo cuadros para un restaurante caro.

Rothko sabía lo que estaba haciendo y para qué tipo de personas lo estaba haciendo. Vio sus murales de Four Seasons como un arte violento, incluso terrorista, una salvaje venganza estética, y disfrutó de la oportunidad de morder las manos de aquellos que lo habían enriquecido.

Esto es lo que Rothko le dijo a John Fischer, un compañero de turismo con el que se topó en el bar de un transatlántico que cruzaba el Atlántico a principios del verano de 1959 después de haber estado trabajando durante varios meses en las pinturas. Fischer era editor de Harper's Magazine y, por lo tanto, sus conversaciones sobre bebidas se han grabado: Fischer publicó Portrait Of The Artist As An Angry Man, una memoria de Rothko, en Harper's Magazine en julio de 1970. Algunos guardianes de la memoria de Rothko prefieren pensar que él estaba jugando con el periodista, que no quiso decir lo que dijo, porque lo que dijo es tan incendiario. Rothko le dijo a Fischer que quería molestar, ofender y torturar a los comensales del Four Seasons, que su motivación era completamente subversiva.

Fischer cita a Rothko describiendo la habitación en ese restaurante muy caro en el Edificio Seagram como "un lugar donde los bastardos más ricos de Nueva York vendrán a alimentarse y lucirse".

Rothko no le parecía a Fischer en lo más mínimo ajeno a este mundo, y mucho menos espiritual acerca de sus intenciones. "Espero arruinar el apetito de todo hijo de puta que alguna vez coma en esa habitación", se regodeó, con cuadros que harán que esos ricos bastardos "se sientan atrapados en una habitación donde todas las puertas y ventanas están tapiadas". ".

Existe tal lugar. Está en Florencia. La puerta del claustro conduce a una habitación más alta que ancha y sin espacio en el piso por una escalera gris oscuro que se extiende hacia la habitación como un pulpo. Te sientes empujado hacia los lados de la habitación, donde miras las paredes y te das cuenta de que este espacio es aún más opresivo de lo que parecía. Las ventanas, con sus enormes ménsulas como florituras en libros antiguos, están selladas: son espacios en blanco enmarcados que llevan a la mente a esperar la luz, el aire, el mundo exterior, pero en cambio no ofrecen salida, de hecho empujan hacia adelante en la habitación, que comienza para parecer más pesado, más pequeño. Las columnas que aparentemente soportan su peso son demasiado gruesas, abultadas. Los cráneos de cabra tallados son una pista. El vestíbulo de Miguel Ángel de la Biblioteca Laurenciana, que da al claustro de la iglesia de los Medici de San Lorenzo, es la antesala de la muerte.

El vestíbulo es la creación arquitectónica más audaz de Miguel Ángel y una de las más asombrosas de todas sus obras, y la más moderna. Creado alrededor de 1524-6, es un ejemplo muy temprano de expresión poética en arquitectura de una arquitectura formada de manera deliberada e inconfundible no para una función o incluso para un efecto espectacular, sino para alterar su sentido del espacio, para hacer que pierda el rumbo, para inquietar. y molestar. Conduce a la loca arquitectura barroca de Borromini en Roma y anticipa a Daniel Libeskind. Miguel Ángel lo hizo primero y lo hizo más profundo. Creó una habitación que es una pesadilla.

Rothko, que había estado en Italia antes, en 1950, y vio la Biblioteca Laurentian de Miguel Ángel, que visitaría nuevamente en su viaje de 1959, le dijo a Fischer que había sido influenciado por lo que describió como su "bóveda sombría", cómo comenzó a pensar en cuando estaba pintando los murales de Seagram. "Después de haber estado en el trabajo durante algún tiempo, me di cuenta de que estaba muy influenciado subconscientemente por las paredes de Miguel Ángel en la escalera de la Biblioteca Médica en Florencia", dijo Rothko. "Logró el tipo de sensación que busco: hace que los espectadores se sientan atrapados en una habitación donde todas las puertas y ventanas están tapiadas, de modo que todo lo que pueden hacer es golpear sus cabezas para siempre contra la pared. . "

En el centro del mural de Seagram Black On Maroon (1958), en la Tate Modern, hay un marco vertical negro como el de una pintura o una ventana. Es una abertura que deberíamos poder penetrar como las ventanas cerradas del vestíbulo de Miguel Ángel, debería permitir la salida de la mente. En cambio, solo conduce de regreso a la barrera marrón. Ni siquiera está "enfrente" del granate que están en el mismo plano. Los murales de Rothko nos seducen con alusiones arquitectónicas, la idea de espacio, de ventanas, puertas y portales que conducen al gran púrpura allá, pero aquí no hay nada más que colores bidimensionales en vastas extensiones de lienzo.

Los comentarios de Rothko a Fischer son una franca revelación de lo que tratan los murales de Seagram y, sin embargo, con demasiada frecuencia las discusiones sobre estas pinturas pasan por alto la confesión de Rothko como si fuera trivial. Por eso es necesario mirar la arquitectura de Miguel Ángel. Al entrar en la Biblioteca Laurentian, no hay duda. Las pinturas de Rothko son traducciones de las ventanas bloqueadas de Miguel Ángel.

Rothko no parece haber dejado de pensar en los murales mientras recorría Italia con su esposa Mell, su pequeña hija Kate y ahora Fischer. Italia en la década de 1950 era el lugar por excelencia donde los Estados Unidos, líderes mundiales, venían a gastar dinero. Rothko no era un estadounidense inusual; en su gusto por el turismo, era típico. ¿Y dónde más encontraría la América de la guerra fría, en el apogeo del siglo americano, su reflejo sino entre las ruinas del Imperio Romano? Los barcos a Italia atracaron en Nápoles. Antes de viajar al norte a Roma, Florencia y la Biblioteca Laurentian, los Rothkos fueron a Pompeya.

Caminando en medio de la ciudad de los muertos, Rothko reflexionó sobre su trabajo. En la más atmosférica de las casas de Pompeya, la Villa de los Misterios, le llamó la atención el uso de colores sorprendentemente profundos para un esquema decorativo: negro y rojo. Rothko le dijo a Fischer que en la villa sintió "una profunda afinidad" entre los murales de Seagram y las pinturas murales romanas: "el mismo sentimiento, las mismas amplias extensiones de color sombrío".

La Villa de los Misterios está fuera de la ciudad, y es más aristocrática y privada que el resto de las casas pompeyanas. Sus salas hablan de secretos, específicamente del culto subterráneo de Dionisio, dios del vino y el éxtasis. Debe su nombre a un asombroso fresco que representa un rito de iniciación al culto de Dionisio que cubre las paredes de un triclinio, un comedor.

Este es un comedor muy extraño. Tan extraño, y a la vez tan lujoso e infernal, como el comedor que Rothko planeó en Nueva York, un lugar donde, en lugar de hacer una pequeña charla, los comensales se verían amenazados por pinturas sensuales, ocultas y claustrofóbicas.

Creo que Rothko habló de Pompeya con falsa casualidad. Es inconcebible que las "afinidades" entre su última obra y la Villa de los Misterios le hayan golpeado por casualidad, o que solo tuvieran que ver con el color. Rothko estaba profundamente familiarizado con las pinturas murales romanas de Boscoreale en el Museo Metropolitano de Arte, y estudió de cerca El nacimiento de la tragedia de Nietzsche, que contrastaba los principios apolíneo y dionisíaco. Quería que su arte fuera dionisíaco, más allá de la razón. El proyecto de Rothko para el Four Seasons era crear una anti-arquitectura que despreciara el orden racional del edificio de Mies van der Rohe, que atormentaba a los "bastardos ricos" que se sentaban a un almuerzo civilizado. Quería que el espacio mortal de la Biblioteca Laurentian de Miguel Ángel los empujara, les negara la salida. Habló de sí mismo como arquitecto: "He creado un lugar", dijo cuando miró los murales en su estudio de Bowery.

Es muy agradable ir de viaje, cantaba Frank Sinatra, pero es mucho más agradable volver a casa. Cuando Rothko zarpó de Europa en el verano de 1959, el Four Seasons se estaba preparando para abrir. De vuelta en Nueva York, Rothko reservó una mesa para él y Mell. ¿Qué comieron, de qué hablaron? No parece haber sido una comida feliz. Llamó a un amigo esa noche para decirle que estaba devolviendo el dinero y retirando sus cuadros. "Cualquiera que coma ese tipo de comida por ese tipo de precios nunca verá una pintura mía", le dijo a su asistente de estudio.

La exploración de Rothko de escenarios siniestros en su viaje a Italia sugiere que realmente estaba actuando, como él dijo, por "malicia" al pintar los murales de Four Seasons. Pero también sugiere que quería demostrar que la pintura podía ejercer poder, que podía subvertir su mandato como artista "decorativo" y transformar un restaurante toney en un espacio dominado por el arte sublime.

Rothko estaba tratando de revivir la idea central del modernismo: que el arte puede hacer añicos nuestras suposiciones. Sus murales de Seagram siguen siendo el arte más desafiante en la Tate Modern, porque exigen su tiempo, emoción, pensamiento y compromiso, solo para arrojar estas cosas de vuelta a su cara, confrontando la mente con una pared, una cámara terminal.

Pero ningún artista en Nueva York en 1959 tenía ese tipo de poder. Sentado en medio del bullicio y el exceso del Four Seasons, Rothko debe haber sentido que se había engañado, que los comensales adinerados no iban a ser angustiados. Ese arte no podía cambiar nada. Que sus pinturas serían solo decoración después de todo.

Puede imaginarse a JJ Hunsecker en la mesa de al lado, mirándolo con desprecio. Es muy difícil ser un artista, se burla Hunsecker en Sweet Smell Of Success, en el más crudo de todos los mundos posibles.

· Este ensayo forma la base de la charla final en Painting Bites Back, un curso dirigido por Jonathan Jones en Tate Modern, London SE1, que se impartirá el 9 de diciembre. Los murales Seagram de Rothko están en exhibición permanente en Tate Modern, en asociación con BT.


Los 7 restaurantes que cambiaron la ciudad de Nueva York

De los miles de millones de restaurantes de Estados Unidos, solo unos pocos han cambiado sus gustos mucho más allá de sus propias paredes. Menos aún no solo introdujeron nuevos alimentos y cocinas, sino que también influyeron en nuestra cultura en general. El nuevo y rico libro de Paul Freedman, "Diez restaurantes que cambiaron Estados Unidos" (Liveright), les da vida y, sin querer, plantea una pregunta provocativa.

Como crítico y columnista de restaurantes desde hace mucho tiempo, no pude evitar preguntarme: ¿Cuáles fueron los restaurantes de Nueva York que cambiaron a Nueva York?

Es cierto que cinco de los revolucionarios de Freedman están, o estuvieron, en la ciudad de Nueva York: Delmonico's ("el primer restaurante de Estados Unidos" en el siglo XIX), Mamma Leone's ("que fue pionera en el restaurante italiano para no italianos"), Sylvia's, Le Pavillon y las cuatro estaciones. Pero a excepción del último, probablemente tocaron más corazones, mentes y estómagos al oeste del río Hudson que en los cinco condados.

Son bien conocidas las contribuciones culinarias de lugares queridos como Le Bernardin, Babbo, Jean-Georges, Restaurant Daniel y Momofuku Ko. Aquí hay siete restaurantes afortunados más de los últimos 30 años que, aunque no todos son excelentes para los estándares gastronómicos, dejaron a la Gran Manzana en un lugar diferente.

La dama arepa

La Arepa Lady en Queens J.C. Rice

Un carrito de comida en Jackson Heights, debajo de la línea elevada No. 7, no es un restaurante (aunque ahora hay un pequeño café Arepa Lady cerca). Pero las arepas de maíz de María Piedad Cano tuvieron una influencia más duradera en la escena gastronómica de la ciudad que una docena de lanzamientos de renombre con chefs y diseñadores famosos.

Cano, a former lawyer and judge in her native Colombia (left), was “discovered” by food writer Jim Leff in 1993. His love for her “magical” corn cakes carried far beyond the pages of the freebie-weekly New York Press.

It introduced eaters who rarely ventured outside Manhattan to Queens neighborhoods’ wealth of globe-spanning cuisines. The Arepa Lady’s mouth-melting cakes ignited appreciation for street food in every borough. Her unpredictability — no one knew when her cart would appear on Roosevelt Avenue near 78th Street — fueled the craving for all edibles elusive and exotic, a fascination that’s a prime mover of today’s eating scene. Leff’s admiration for Cano and others he championed led him in 1997 to co-found Chowhound, the food blog that preceded all the others.

Union Square Café

1985-late 2016 when its lease was up reopening nearby at 101 E. 19th St. in November

Union Square Cafe Zandy Mangold

The contributions of Danny Meyer’s flagship transcend its groundbreaking (for the time) Modern-American menu. While local chefs were chasing seasonal ingredients from California and Chesapeake Bay, Union Square Cafe drew on a source closer to home: the Union Square Greenmarket down the block.

The restaurant’s instant popularity helped catalyze the rebirth of then-squalid Union Square Park. But an equally game-changing legacy was that it did away with old-style dress codes and made customers feel comfortable in a fine-dining environment. Men and women could leave their office garb behind for jeans and open-collar shirts. The service was almost aggressively casual.

Although the new approach was aimed at younger customers, older ones embraced it, too. For better or for worse, USC more than any other single restaurant buried “formal” dining for good.

Pastis

1999-2014, when the building was demolished

When Keith McNally inserted his artfully faux, “rustic” bistro into the Meatpacking District, the area still smelled like a giant pancreas left to rot on the pavement.

Little bistro Florent drew the late-night artsy set, but the nabe’s S&M clubs and meat-hook aura immortalized in Al Pacino’s grisly 1980 “Cruisin’ ” scared off all but the least squeamish.

Pastis changed all that. The one-two punch of a bright and affordable, provincial French menu and McNally’s genius for hype (i.e., “no reservations taken” — except for celebrities)drew the noshing millions. Although what’s now the High Line Park remained a derelict train trestle, the white-hot Pastis scene kick-started an influx of cutting-edge eateries just as meat wholesalers began moving out.

That in turn propelled the boom in real-estate values that eventually doomed Pastis itself (although it is now slated to reopen in different form nearby).

La tienda de comestibles

1999-2015, when the weary owners wanted “to get some life back.”

The Grocery in Brooklyn Patrick Siggins

For years after large-scale, brownstone neighborhood gentrification first got under way, “Brooklyn dining” still mostly meant Peter Luger, the River Cafe and Coney Island clam joints. Then, in 2003, the Zagat Survey ranked this obscure, 30-seat bistro in Carroll Gardens as the city’s seventh-best restaurant.

How could a place that few outside the neighborhood had even heard of rank nearly as high as Manhattan’s greatest?

Thanks to Zagat’s goofy voting system, The Grocery might have earned its lofty score because of a handful of ballot-box stuffers. But it put modern “Brooklyn dining” on the media map — and the rest was history.

Grocery’s Zagat breakthrough led owners and chefs to roll the dice all over the borough. Soon came chef-driven Vinegar Hill House, Fette Sau, The Farm on Adderley and later, $250-a-head tasting dinners in Bushwick. The new eating scene drew hordes of hungry new residents and ultimately the coinage of “Brooklyn” as a global brand.

Hatsuhana

Hatsuhana in Midtown Manhattan. Facebook

New York had Japanese restaurants long before Hatsuhana opened its doors. They weren’t all bad. But most were simple neighborhood spots or Benihana-school, tourist-driven places where chefs merrily tossed shrimp in the air for no identifiable purpose.

Then, in April 1983, a four-star New York Times review of Hatsuhana by Mimi Sheraton brought the cuisine — especially sushi — in from the margins. Times reviews carried serious clout in those days, and for the first time, a Japanese restaurant in the heart of Midtown had shockingly earned the rare accolade normally associated with old-school French.

Hatsuhana’s elevation coincided with the great wave of Japanese investment in Manhattan that saw Tokyo-based companies buy Rockefeller Center and brought Japanese fashion to Madison Avenue. Everyone wanted a seat on the Rising Sun express, and the cheapest ticket was ultra-fresh raw fish in its myriad varieties.

Although Hatsuhana today is not what it was, its popularity inspired the high-end Japanese boom that brought forth elegant and pricey sushi shrines such as Sushi Yasuda (whose chef, Maomichi Yasuda, came from Hatsuhana), interpretive riffs such as Peruvian-Japanese Nobu and eventually three-Michelin-star Masa.

Ruby Foo’s

1999-2009, when the recession killed it

Ruby Foo’s in Times Square. Mapquest

Stephen Hanson’s uptown “Chinese” fantasy, which he bravely launched on the un-trendy Upper West Side, was the big box that spawned all of the city’s pan-Asian giants. The cavalcade included Ono, Japonais, Chinatown Brasserie, Kibo, Matsuri and Spice Market. It lives on in the form of ultra-humongous Tao and Hakkasan, the London-born giant that touched down here in the West 30s.

Although some copycats called themselves Japanese or Chinese, all merrily mixed-and-matched far-east cuisines in an enormous, colorfully fanciful, Las Vegas-inspired setting like the one designer David Rockwell introduced here at Ruby Foo’s. Its sprawling menu perfected the crazy-quilt, multi-category format copied by restaurants of every cuisine.

Red Rooster

310 Lenox Ave., opened 2011

Red Rooster in Harlem. David Rosenzweig

This is Exhibit No. 1 of how a visionary chef with a smart business model can bring change far beyond the kitchen.

Chef Marcus Samuelsson’s rollicking bistro — a jolly blend of Ethiopian, southern-American and Swedish influences, served in a colorful dining room behind a retro, horseshoe-shaped bar — made the biggest splash in uptown food since the Harlem Renaissance of the 1920s. But its larger legacy is the renaissance it inspired in the historic African-American neighborhood around Lenox Avenue and West 125th Street.

Emboldened by Red Rooster’s success, a dozen new cafes — Italian, Indian, French, Japanese and “crafted American soul” — have opened on Lenox since 2011. Local residents who were long denied modern dining options suddenly had choices. Downtown customers finally discovered the area’s charms. And a nearby lot that stood empty for decades sprouted a retail complex where Whole Foods will open in early 2017.


City of New York Forbids Changes to Iconic Four Seasons Restaurant - Recipes

I&rsquom writing this nearly 15 months after we closed our dining room, and I&rsquom so excited to share that we will be reopening Eleven Madison Park on June 10th.

The pandemic brought our industry to its knees. With our closure, we laid off most of our team, and truly didn&rsquot know if there was going to be an Eleven Madison Park.

We kept a small team employed, and with their remarkable effort, in collaboration with the nonprofit Rethink Food, we prepared close to a million meals for New Yorkers experiencing food insecurity. Through this work, I experienced the magic of food in a whole new way, and I also saw a different side of our city &ndash and today I love New York more than ever.

What began as an effort to keep our team employed while feeding people in need has become some of the most fulfilling work of my career. It is a chapter in my life that&rsquos been deeply moving, and for which I am very grateful.

It was clear to me that this work must become a cornerstone of our restaurant.

Therefore, we&rsquove evolved our business model. When we reopen Eleven Madison Park on June 10th, every dinner you purchase will allow us to provide five meals to food-insecure New Yorkers. This food is being delivered by Eleven Madison Truck, which is operated by our staff in partnership with Rethink Food. We&rsquove created a circular ecosystem where our guests, our team, and our suppliers all participate.

In the midst of last year, when we began to imagine what EMP would be like after the pandemic &ndash when we started to think about food in creative ways again &ndash we realized that not only has the world changed, but that we have changed as well. We have always operated with sensitivity to the impact we have on our surroundings, but it was becoming ever clearer that the current food system is simply not sustainable, in so many ways.

We use food to express ourselves as richly and authentically as our craft allows &ndash and our creativity has always been tied to a specific moment in time. In this way, the restaurant is a personal expression in dialogue with our guests.

It was clear that after everything we all experienced this past year, we couldn&rsquot open the same restaurant.

With that in mind, I&rsquom excited to share that we&rsquove made the decision to serve a plant-based menu in which we do not use any animal products &mdash every dish is made from vegetables, both from the earth and the sea, as well as fruits, legumes, fungi, grains, and so much more.

We&rsquove been working tirelessly to immerse ourselves in this cuisine. It&rsquos been an incredible journey, a time of so much learning. We are continuing to work with local farms that we have deep connections to, and with ingredients known to us, but we have found new ways to prepare them and to bring them to life.

I find myself most moved and inspired by dishes that center impeccably-prepared vegetables, and have naturally gravitated towards a more plant-based diet. This decision was inspired by the challenge to get to know our ingredients more deeply, and to push ourselves creatively. It wasn&rsquot clear from the onset where we would end up. We promised ourselves that we would only change direction if the experience would be as memorable as before.

We asked ourselves: What are the most delicious aspects of our dishes, and how could we achieve the same level of flavor and texture without meat?

It&rsquos crucial to us that no matter the ingredients, the dish must live up to some of my favorites of the past. It&rsquos a tremendous challenge to create something as satisfying as the lavender honey glazed duck, or the butter poached lobster, recipes that we perfected.

I&rsquom not going to lie, at times I&rsquom up in the middle of the night, thinking about the risk we&rsquore taking abandoning dishes that once defined us.

But then I return to the kitchen and see what we&rsquove created. We are obsessed with making the most flavorful vegetable broths and stocks. Our days are consumed by developing fully plant-based milks, butters and creams. We are exploring fermentation, and understand that time is one of the most precious ingredients. What at first felt limiting began to feel freeing, and we are only scratching the surface.

All this has given us the confidence to reinvent what fine dining can be. It makes us believe that this is a risk worth taking.

It is time to redefine luxury as an experience that serves a higher purpose and maintains a genuine connection to the community. A restaurant experience is about more than what&rsquos on the plate. We are thrilled to share the incredible possibilities of plant-based cuisine while deepening our connection to our homes: both our city and our planet.

I believe that the most exciting time in restaurants is to come. The essence of EMP is stronger than it ever has been. We can&rsquot wait to have you come and experience this new chapter of the restaurant. We look forward to sharing this journey with you.


Proposed Design Changes to the Four Seasons Prompt an Outcry

With its sleek elegance and white marble pool of bubbling water, the Four Seasons restaurant in the landmark Seagram Building has long been considered an architectural gem — not to mention a haunt for the likes of Henry A. Kissinger and Madonna.

Now the owner of the building, Aby J. Rosen of RFR Holding, has proposed making changes to the restaurant — designed by Ludwig Mies van der Rohe and Philip Johnson in 1958 — that have prompted strong objections from some architects and preservationists.

“It’s worrisome,” said Barry Bergdoll, a professor at Columbia University who specializes in 19th- and 20th-century architectural history. “Even just removing a single pane of glass interrupts the spatial modulation.”

In a statement, Mr. Rosen’s company described the plan, which will be reviewed by the Landmarks Preservation Commission this month, as an effort to “restore luster the space possessed upon opening.”

But the company, in apparent response to the criticism, has already scaled back part of the proposal it submitted to the landmarks panel, which is being done in consultation with a noted architect, Annabelle Selldorf.

The restaurant, on East 52nd Street in Manhattan, with its signature 20-foot-high floor-to-ceiling glass windows and rippling chain curtains, consists mainly of two large, square dining areas, the Grill Room and the Pool Room, connected by a travertine-lined corridor. Both sides of the restaurant, whose interior was declared a landmark in 1989, feature rich French walnut wall paneling. The pool is accented by trees at its four corners and surrounded by seating.

Mr. Rosen had originally proposed removing the glass wall in the vestibule between the two rooms and converting the wine cellar behind it into bathrooms. But after the strong reaction to the plan, RFR said it would find a different location for the bathrooms.

“Replacing the wine cellar area with bathrooms never made any sense,” said Peg Breen, president of the New York Landmarks Conservancy, “so we are glad that has been withdrawn.”

Mr. Rosen is sticking with plans to, among other things, remove the bronze and crackled-glass partition in the Grill Room between the bar and the dining area and, on the entry concourse level, to widen the existing lobby to make room for a new coat-check area.

“RFR is seeking to bring back the 52nd Street entry to reflect the original design intent of welcoming discreet seating areas with high-quality furniture and great art on the walls,” the company said in an email.

Beyond its architectural significance, the restaurant has long been a high-profile power center, its tables regularly filled by the rich and famous. Mr. Johnson, who died in 2005, was himself a regular and had lunch there daily at a special table in the corner of the Grill Room.

In 1989, the Four Seasons became the second restaurant whose interior was designated by the Landmarks Preservation Commission (the first was Gage and Tollner’s in Downtown Brooklyn).

Theodore Grunewald, a preservation advocate, said he had many memories of visiting the Four Seasons on special occasions with his family. “I’m concerned about losing the spirit of the Four Seasons,” he said. “It’s a place of great dignity and real elegance, and the renovations that are being proposed are going to make it a busier, louder, brighter kind of place.”

Mr. Rosen and his partner, Michael Fuchs, bought the Seagram Building in 2000. They are scheduled to present their plan for changes to the landmarks panel on May 19. In addition to the interior changes, RFR is proposing exterior changes, which must be approved by the Conservancy.

In 2007, Mr. Rosen agreed to relinquish control of the Seagram Building’s exterior to the Conservancy in exchange for a tax benefit awarded by the city as an incentive to protect landmarks.

“This is one of the great landmark buildings, and this is one of the great landmarked interiors in the country,” Ms. Breen said. “There should be some compelling reason to change anything, and there is no compelling reason.”

The Conservancy only controls changes to the building’s exterior. Its recommendations about the RFR plans for the restaurant’s interior are advisory, although both sets of proposed changes will be reviewed by the landmarks panel at the same time.

Mr. Rosen and the Conservancy recently clashed over the future of a large Picasso stage curtain that used to hang in the corridor it ultimately went to the New-York Historical Society, where it will go on display May 29.

For the building’s exterior, Mr. Rosen had proposed replacing canvas entry canopies — belonging to the Four Seasons, and to the Brasserie restaurant on East 53rd Street — with transparent versions.

The Conservancy objected to those changes. Now he has proposed using “like-kind materials” instead, which, Ms. Breen said, “the Conservancy will have to review.”

Mr. Rosen has maintained that his proposed alterations are small adjustments that will improve the restaurant’s functions without diminishing its aesthetic value. But some design experts insist that while such changes may seem imperceptible, they significantly compromise the architectural intent.

“You can’t just say, ‘Oh, that would look so much better wider,’ ” Mr. Bergdoll said. “It has to do with how a space is experienced.”

“That’s the problems with minimalism,” he added. “Everything is down to this incredible study of dimensions.”

Phyllis Lambert, 88 — a daughter of Samuel Bronfman, the founder of the Seagram Company, who died in 1971 and helped create the building — recently told The Wall Street Journal that the proposed changes were “pretty well unacceptable.” The Bronfman family retains a minority interest in the restaurant.

Mr. Rosen said in a statement that he is being cast unfairly as a developer who does not respect the restaurant’s original design.

“I consider the building to be one of the greatest masterpieces of Modernist architecture,” he said, “and consistently take steps to preserve and curate this landmark aesthetically, functionally and culturally.”


Iconic Four Seasons Restaurant Will Close After Short and Troubled $40M Revival

The iconic and problematic Four Seasons Restaurant will close Tuesday, the New York Times reports, less than a year after a $40 million rebuild in a new space.

The news comes after a troubled 10 months, when critics and the public called the restaurant out for still involving former partner Julian Niccolini, who pleaded guilty to sexual assault in 2016. Niccolini was finally forced to resign in December. Managing partner Alex von Bidder told the Veces that it’s “hard to measure” whether Niccolini’s scandals had a negative effect on business.

In the end, the investors made the decision to close, according to Von Bidder. “We were not doing enough business to satisfy them,” he told the Veces. The restaurant has over 40 investors who pulled together more than $40 million for the rebuild, according to the Wall Street Journal.

The Four Seasons Restaurant was once known as a power lunch destination, frequently hosting celebrities and dignitaries like Martha Stewart and Henry Kissinger. It opened in the historic Seagram Building in 1959, becoming beloved for its seasonal fare and eventually landmarked space.

In 2016, landlord Aby Rosen forced the Four Seasons out, and last August, the restaurant reopened at 42 East 49th St. It claimed at the time that phones were “ringing off the hook,” and Stewart said she couldn’t “wait” to go back, but its public reception was less warm.

Food critics Pete Wells, Hannah Goldfield, and Adam Platt focused their reviews more on Niccolini than the food from new chef Diego Garcia. Wells said in his one-star review that despite food that’s “better than it has been in years,” Niccolini had “done serious damage to his power to provide” a “sense of safety” while dining there.


A Little Old, a Little New for the Four Seasons Space

Ever since the news broke last year that the grand Midtown space housing the Four Seasons restaurant would be taken over by the three young men behind brassy places like Carbone and Dirty French, one question has loomed above all: Will they preserve the clubby, reliable comforts of the original or strike off in a bold new direction?

As envisioned by the chefs Mario Carbone and Rich Torrisi and their business partner, Jeff Zalaznick, the space on the ground floor of the Seagram Building will become a twinned tribute: The restaurant’s Grill Room will celebrate the virtues of looking back, and the Pool Room will harness the thrill of moving forward.

The current tenants, the restaurateurs Alex von Bidder and Julian Niccolini, will move out in July and hope to re-establish the Four Seasons in a new location. The Carbone-Torrisi crew expects its restaurant, as yet unnamed, to open toward the end of the year.

For the Grill Room, where the well heeled and connected have long held their power lunches, Mr. Carbone is plunging into a library of menus from the earliest phase of the restaurant, which opened in 1959, hoping to recreate many of the vintage dishes.

“I’m really just doing the first decade,” he said in an interview at Carbone. “I don’t know how much interest I have beyond that. I want to be playing in the J.F.K. world. He’s my muse.”

Mr. Carbone and his two partners, whose restaurant company is called the Major Food Group, want the tone of the room to be masculine, meat-embracing and signified by the brisk confidence of the Kennedy years. Mr. Zalaznick described it as “a true American grill.”

A few steps away in the Pool Room, however, Mr. Torrisi will oversee a different vision: a shrine to newness. He said the room would have a more feminine feel, a menu revolving around vegetables and seafood, and service that would not shrink from tableside extravagance.

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“Nothing will reference what has happened in the past,” Mr. Torrisi said. “I want this to be the No. 1 room in New York and in America where you go to celebrate.”

He and the others said they would make no major design changes to the rooms the Seagram Building, a touchstone of modernist architecture, has a thicket of landmark protections that discourage them. The landlord, Aby J. Rosen, lost a battle last year to make changes to the restaurant’s interior.

“Basically, if it’s attached to the building and you can’t pick it up and move it, it’s landmarked,” Mr. Carbone said, adding, “We don’t feel handcuffed because you can’t change the greatest restaurant space ever built.”

What to Cook This Weekend

Sam Sifton has menu suggestions for the weekend. Hay miles de ideas sobre qué cocinar esperándote en New York Times Cooking.

    • In this slow-cooker recipe for shrimp in purgatory, the spicy red pepper and tomato sauce develops its deep flavors over hours.
    • Deploy some store-bought green chutney in this quick, saucy green masala chicken. could be good for dinner, and some blueberry muffins for breakfast.
    • For dessert, watermelon granita? Or a poundcake with macerated strawberries and whipped cream?
    • And for Memorial Day itself? You know we have many, many recipes for that.

    What they mostly have in mind, they said, is a thorough cleaning of a space that has endured decades of wear and tear. They say they will tweak minor design elements like chairs and tableware, but haven’t settled on the details.

    Mr. Carbone and Mr. Torrisi, who first made a name for themselves as chefs at the tiny (and now closed) Torrisi Italian Specialties on Mulberry Street, said the stark bifurcation of the two rooms’ menus would reflect the differences in their personalities. Mr. Torrisi likes to wing it, coming up with new dishes by improvising with ingredients. Mr. Carbone prefers to stick to a traditional template.

    “I could never work the way he does,” Mr. Carbone said. “I personally like to handcuff myself to things. I won’t do it if it’s not on the menu.”

    To that end, Mr. Carbone has spent hours investigating reams of vintage Four Seasons menus on file at the New York Public Library. In them he has encountered some unfamiliar dishes that offer few clues about how they were made. Sometimes, in a search for details, he consults with Mimi Sheraton, the former New York Times restaurant critic, who has a deep memory of meals at the Four Seasons.

    The research has led far beyond New York. For years, the Four Seasons menu featured an appetizer simply called “coriander prosciutto.” Unsure what the dish entailed, the Major Food partners asked La Quercia, a company in Iowa that specializes in cured meats, to develop prosciutto involving coriander.

    Another menu curio: stroganoff with rare beef. “The ‘rare’ part of it gets us all going,” Mr. Zalaznick said.

    Mr. Carbone aims to honor the dish by creating a stroganoff that is familiar enough for people to recognize, yet also elicits the reaction “Wow, that’s the best version of that dish I’ve ever had,” he said.

    Old menus allude to something called “fancy cake,” a confection conjured up by Albert Kumin, the Four Seasons’ original, Swiss-born pastry chef. Mr. Kumin is now in his 90s and living in Vermont. So Mr. Carbone, Mr. Torrisi and Mr. Zalaznick plan a pilgrimage there to question him about the cake’s provenance.

    They are also making a research voyage to Switzerland because the restaurant’s first chef, Albert Stockli, came from there, and they want to commune with the roots of his cooking. “We’re going to Switzerland just to feel that,” Mr. Zalaznick said.

    They have hired a craftsman in Mexico City to construct huge, elaborate guéridons, or trolleys, that will be used in the Pool Room for the tableside presentation of certain seafood dishes.

    For a third space in the Seagram Building, which previously housed Brasserie, the team hopes to foster a loose, festive atmosphere. The partners have brought in Peter Marino, an esteemed architect known for regularly dressing like a leather-clad biker, to redesign everything in the room, including plates, chairs and server uniforms.

    One form of luxury they will not provide is a tasting menu. Although they drew raves for their New York-themed marathon of plates at Torrisi Italian Specialties, they have decided that tasting menus, often considered a necessity for projecting a chef’s ambition, are an impediment to pleasure.

    “We did it for a moment in time, and it was amazing,” Mr. Carbone said, “but it taught us a lot about what we never want to do again.”


    Four Seasons restaurant closes after 57 years, will open in new location next year

    The Four Seasons served its last supper Saturday night at the midtown spot that has been its home for over a half-century.

    The iconic restaurant, known as the birthplace of the New York City power lunch, is shutting its elegant doors after 57 years, with plans to re-emerge next year a few blocks away.

    Fittingly, the famed eatery did not go quietly.

    "We're just so busy right now," an employee told the Daily News shortly after 9 p.m.


    City of New York Forbids Changes to Iconic Four Seasons Restaurant - Recipes

    Tips on Tables - Robert W. Dana - April 1957

    Luchow’s Marking 75th Anniversary

    World-famed Luchow’s Restaurant, beloved of all ages, celebrates its 75th Anniversary at 110 E. -14th St. tomorrow through Sunday by featuring an eight-course dinner similar to those served in 1882, when August Luchow, a native of Hanover, bought a tiny German restaurant and beer parlor In which he had been a waiter.

    If one of Luchow’s original customers could return today he’d feel completely at home, even more so, perhaps, than he might have a few years ago. Luchow cartoonFor when Jan Mitchell bought the restaurant in 1950, after nearly 10 years of negotiations he restored a number of German dishes absent from the menu for a quarter of a century.

    Wienerschnitzel, saurbraten, pigs knuckles schlemmerschnitte and perfectly cooked game are just a few of the scores of dishes from which the customer can choose.

    And something else for which one can thank Mr. Mitchell is his restoration of the pre-prohibition week-long galas. The venison festival, goose feast, bock beer festival, May wine festival, and midsummer forest festival, complete with a German band, special menu and souvenirs. All of these are included this week.

    Thanks to the Care with which August Luchow handled and dispensed the Wurzburger and Pilsner beers he imported, the delectableness of his Rhine and Moselle wines and the excellentence of his food, Luchow’s was a roaring success by the turn of the century.

    At this time 14th St. was the heart of the musical theatrical, literary and political life of New York, with Tony Pastor’s of variety fame, Steinway LuchowHall the Academy of Music and Tammany Hall. E. H. Sothe,. and Julia Marlow, John Barrymore and Weber and Fields, 0. Henry and 0. 0. McIntyre and Thomas Wolfe and Edgar Lee Masters were regulars.Victor Herbert wrote some of his operettas at Luchow’s, and the table he occupied at lunch is still referred to as the Victor Herbert Corner. In 1914 at Luchow’s, Herbert called the meeting of fellow composers that led to the founding of the American Society of Composers, Authors and Publishers.

    In 1901 August Luchow was persuaded by Herbert to engage an ensemble to play at dinner and supper. The musicians concentrated on Strauss waltzes, excerpts from Wagner operas, Brahms and Victor Herbert. And so it is today with Julius Richter and his musicians.

    Jan Mitchell bought Luchow’s because its traditions, atmosphere and fine food reminded him of his childhood on his family’s estates in Swede. and Finland. He had learned the secrets of good food from the chef who had worked for Alfred Nobel, door of the Nobel prizes, and he had mastered the art of being a perfect host under the eye of his parents, who often, entertained more than 100 guests at a time for hunt parties.

    Luchow’s today consists of seven public dining rooms, with the bar and men’s grill occupying the original site. The main restaurant, fronts on 14th St. Behind it are the garden and cafe, originally an open-air beer garden. On the left is the New Room (opened in 1902) and on the right the Hunting Room, lined with the heads of animals shot by Lucbow. Beyond this is the Niebelungen Room, named for murals with scenes from Wagner’s Ring Cycle.

    The only physical change Mr. Mitchell made in the high-ceilinged, dark-paneled rooms that stretch back to 13th St. was to install air-conditioning. More than 200 beer steins, many of them collector’s pieces, line the walls, as we’ll as 60 oil paintings, including a Van Dyke, a Snydes, a Van Mienis and a Goya. The largest was purchased by Mr. Luchow at the St. Louis World’s Fair in 1904 and years later was discovered to be the work of Sweden’s greatest artist, Augusto Haagborg.

    Website visitor Roger Hall from Australia writes: Thank you for the wonderful review on Luchows. I remember well dining there as a young (16 year old) wide eyed Aussie in 1964 when I backpacked through New York and across the USA on $99 a Day Greyhound ticket.I also dined in Voisin (spell?), and The French Shack I think it was called. My host, a WW2 buddy of my Dad also took me to Four Seasons and to see “Fiddler On the Roof”.
    A most enjoyable trip down memory lane.



Comentarios:

  1. Temuro

    Con talento...

  2. Marlayne

    lindo mensaje

  3. Eurylochus

    Creo que esta técnica ya no es relevante, hay métodos más nuevos.

  4. Hud

    En mi opinión, se cometen errores. Propongo discutirlo. Escríbeme en PM, habla.

  5. Murdoch

    Le aconsejo que visite el sitio, que tiene muchos artículos sobre el tema que le interesa.

  6. Dajin

    One and the same, infinite

  7. Shizhe'e

    Creo que admites el error.

  8. Maujind

    Entre nosotros hablando, es obvio. Te sugiero que intentes mirar en google.com



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